LONARTE

Robert Brandy

2010-10-19T02:12:00.001-07:00

Araci Tanan

2010-10-19T02:11:00.001-07:00

Rute Pereira

2010-10-19T02:10:00.000-07:00

Daniela Ribeiro

2010-10-19T02:09:00.002-07:00

Felipe Dulzaides

2010-10-19T02:09:00.001-07:00

Kimiko Yoshida

2010-10-19T02:08:00.001-07:00

Duarte Encarnação

2010-10-19T02:07:00.001-07:00

João Moniz

2010-10-19T02:06:00.000-07:00

João Fonte Santa

2010-10-19T02:05:00.000-07:00

Lisbeth Nilsen

2010-10-19T02:04:00.000-07:00

2010-09-21T02:32:00.000-07:00

Robert Brandy

Nasceu em 1946 – Luxemburgo

Estudou

École des Beaux-Arts | Aix-en-Provence

Vive e trabalha em Luxemburgo

Já como um garoto de quatorze anos de idade ele sabia que seu destino era se tornar num artista e pintor. Influenciado pelo caminho da pintura de Cézanne, Brandy foi para a França em 1972, onde teve a sua educação na École des Beaux-Arts, em Aix-en-Provence. Foi então aí que entrou em contacto com a Escola de Nizza, com os acontecimentos do BEN e as pinturas de Bioulès e Vialat. Em 1976, Robert Brandy voltou para sua casa em Luxemburgo.

Através da sua obra, tem vindo a oferecer uma visão e uma concepção muito personalizada quer da pintura, quer da arte em geral. Seu método tem sido sempre uma exploração incessante que muitas vezes apresenta registos paralelos entre períodos clássico e moderno em diversos campos de pesquisa, tais como a base e forma, a utilização de colas naturais, acrílicos, pigmentos, a incorporação no seu trabalho de fragmentos de objectos e "escritos", etc.

Tem vindo a mostrar as suas obras de arte em diversas exposições nos vários cantos do mundo, tais como: E.U.A., Canadá, Rússia, França, Alemanha, Itália, Espanha, Suécia, Suíça, Hungria, Jugoslávia, Holanda, Portugal, Dinamarca, Bélgica e em sua terra natal, Luxemburgo.

2010-09-21T02:28:00.000-07:00

Araci Tanan

Nasceu em 1964 – Salvador, BA – Brasil

Estudou

Licenciada em Artes Plásticas pela Escola de Belas Artes, Universidade Federal da Bahia, em 1994.

Cursou no Mestrado em Artes Visuais, UFBA, duas matérias como aluna especial no ano de 2009 à 2010 | ” Seminário de Arte Contemporânea” e “Semiótica Visual”.

Na criação de Araci Tanan, frequentemente depararmos com a representação da figura feminina, muitas vezes inspiradas em contos de fadas que possuem raízes na mitologia e que complementadas segundo a artista “ pelo Kitsh, pela banda desenhada e pela moda”, servem para projectar signos que remetem o fruidor para o quotidiano contemporâneo.

Assim sua obras relacionam-se com o caminhar como um processo evolutivo da história da mulher; da primeira mulher atribuída de poderes mágicos, conectada com a natureza, à mulher actual, emancipada, que traz no seu imaginário todas as fases já vividas.

Desta forma a artista refere que “ Me interessa expressar principalmente a sua potência do uno e da multiplicidade, da inteligência e do corpo, da liberdade rompendo subordinações. Gosto de misturar o poético ao lúdico, o insólito ao real, a sensualidade à pureza, semiotizando diferenças “.

Araci Tanan, trabalhou como Layout-woman, Ilustradora e Directora de arte, entre 1984 à 1994. Realizou Cenários para Teatro, Cinema e Televisão em 1996, 1998, 1999. E a partir do ano de 2000 dedica-se exclusivamente à produção artística para exposições.

Esteve representada em 3 edições da Feira internacional de Arte - ARCO, em Madrid e em 5 edições da Feira de Arte Internacional Arte Lisboa, Portugal. Tem vindo a expor em diferentes países, com destaque para Portugal, Brasil e Espanha.

Está representada por galerias da Associação Portuguesa de Galerias de Arte, APGA, onde tem vindo a colocar as suas obras em várias colecções privadas, quer em Portugal, Espanha, França, Holanda e Brasil.

2010-09-21T02:26:00.000-07:00

Rute Pereira

Nasceu no Funchal – 1977

Estudos

Pintura e Escultura na Universidade da Madeira

Vive e trabalha no Funchal

O seu percurso é marcado essencialmente pela exploração dos mais variados materiais, como o vime e mais recentemente pelos feltros e a lã. Sentindo a necessidade de abordar a tridimensionalidade no âmbito da pintura e por sua vez a pintura no âmbito da escultura. Neste campo a sua visão é muito objectiva, porque considera que as duas vertentes proporcionam-lhe um “bem-estar criativo”, cuja exploração passa muitas vezes pela simbiose das duas vertentes artísticas, sendo imperativo essa “união”. Contudo é fundamental passar pela Instalação, segundo a artista é onde tudo se complementa.

A forte relação com a Natureza, quase como uma homenagem sem querer imitá-la nem representá-la mas sim evocá-la numa recriação que transgride a significação comum dos materiais em “Envolvências de Artes Plásticas” (2008). Os corpos que se expõem nus nessa Natureza são o anunciar de uma nova vida que germina novas sensações e onde os sentidos tornam-se cada vez mais sensíveis, deixando por vezes revelar uma identidade algo misteriosa, envolta em nuances e atmosferas, em “Aparências” (2005). Deixando-se levar por uma dormência visualmente poética que embala o corpo ao som de uma melodia em tons pérola, revelando a transparência e a suavidade de texturas. Descobrir… Explorar… é uma viagem íntima, fundamental ao crescimento enquanto artista. Em “Jardim Flutuante” (2009) a importância da aproximação a uma janela, logo, da luz natural e de todo o ambiente exterior, vem enaltecer a Natureza enquanto criadora de formas que germinam e crescem imponentes e vistosas, ao mesmo tempo que os corpos se (des)envolvem numa magia flutuante.

A pureza dos elementos formais, o ar quente da atmosfera e o trepidar das folhas ao caírem no chão molhado pelo orvalho dos corpos, embebidos no suor da criação, revelam uma Natureza aparentemente frágil mas vigorosa. Aqui a Vida faz todo o sentido, o masculino e o feminino fundem-se num só corpo, como as cores numa paleta suja de tinta.

Texto da artista plástica Tânia Pereira

2010-09-21T02:13:00.000-07:00

Daniela Ribeiro

Nasceu em 1972 – Moçambique

Estudou

Curso de Design, Imagem e Criação por Computador, Portugal | 1993

Licenciatura em Relações Internacionais – Universidade Lusíada, Lisboa | 1998

Frequência do curso de pintura, Sociedade Naciona de Belas Artes, Lisboa | 2000

Curso de Escultura | Ar.Co | 2006

Vive e trabalha em Londres, Lisboa e Luanda

Especializa-se em Moldes de Resina e Silicone na escola Pascal Rosier, em Paris onde é convidada pelo Mestre Pascal Rosier a dar aulas em Lisboa.

Em 2009 expõe em Angola a convite da Fundação Sindika Dokolo com a obra: “A Unicidade do Tempo”. Em 2010 é convidada a expor no Museu das Comunicações em Lisboa com o seu mais recente trabalho: Olho Biónico |Ensaio de Comunicação.

O projecto composto por 17 obras( Olhos), e segundo a artista : “é uma interpretação de uma tendência evolutiva da comunicação, integra componentes electrónicos de cerca de 2000 telémoveis tratando-se de uma fusão entre fotografia e tecnologia: “ (…) o contexto actual permitiu-me deduzir que com o domínio da biónica , da nanotécnologia e ainda com o conhecimento do cérebro, num curto espaço de tempo, permitir-nos-á, estarmos todos ligados pelos olhos (…) apresento os olhos biónicos, como objecto de reflexão sobre as estruturas organizacionais humanas e a evolução das telecomunicações , ficando assim registada a minha sensibilidade aos factores de mudança que estão a ocorrer na sociedade actual

Expõe individualmente desde 2002, em diversos espaços, dos quais destacamos: Espaço Correa e Terenas, em 2004 ; Galeria do Centro Cultural de Ermesinde e na Galeria da Ordem dos Engenheiros, Lisboa, 2005; na Galeria Arte Dose; participa na Feira Art Madrid no stand da Galeria António em 2006 e participa na ARTE LISBOA e ARTE MADRID, em 2008. Participa na II Trienal de Luanda de 2010.

2010-09-21T02:01:00.000-07:00

Felipe Dulzaides

Nasceu em 1965 – Havana - Cuba

Estudou

MFA, New Genres, San Francisco Art Institute, California, USA, 2001

BFA, Theater, Instituto Superior de Arte, Havana, Cuba, 1989

Vive e trabalha entre Havana, São Francisco e Roma

O trabalho de Felipe Dulzaides transporta-nos para múltiplas relações poéticas com todas as áreas da nossa existência. Muitas vezes aborda experiências autobiográficas fazendo desaparecer a linha entre a arte e a vida. Durante os últimos dez anos, Dulzaides desenvolve um processo interdisciplinar orientado para corpo de trabalho, incluindo técnicas e formas que vão desde o vídeo, instalação, fotografia e arte conceptual, tendo como base da sua apresentação, projectos de carácter público. Estes trabalhos analisam temas como a identidade política, a arquitectura e como estas moldam as nossas respostas emocionais em relação à percepção de um contexto e da relação entre ideologia e outros temas .

Dulzaides é o destinatário de muitos prémios de prestígio, incluindo o Clube Cintas, Matéria e Arte de 2010 Rome Prize. Seu trabalho tem sido amplamente exposto em galerias de arte contemporânea, museus e bienais, incluindo Gwangju bienal de 2008, a última Bienal de Havana e da Fundação de Graham. Dulzaides é oriundo de uma família de prestigiados escritores e músicos cubanos, sendo seu pai, um pianista de Jazz conhecido de Cuba. Felipe divide principalmente seu tempo entre Havana e São Francisco.

2010-09-21T01:56:00.000-07:00

Kimiko Yoshida

Nasceu em 1963 – Tokyo – Japão

Estudou

B. A., Chuo University, Tokyo, Japan (1986)

Tokyo College of Photography, Japan (1995)

École nationale supérieure de la photographie, Arles, France (1996)

Studio national des arts contemporains-Le Fresnoy, France (1999)

Vive e trabalha em Paris

«A arte é, acima de tudo a experiência da transformação. A transformação é, parece-me, o valor final da obra. Meus auto-retratos, ou o que leva a essa designação, tornou-se num espaço de mutação e metamorfose. A única razão de ser da arte é apenas transformar o que a arte pode transformar. Tudo o que não seja eu, é isso que me interessa. Para estar lá, onde eu acho que não sou, quando desaparecem, eu acho que sou eu, e é isso o que importa.

«Monocromia é uma metáfora do confronto e do desaparecimento, uma marca da virtualidade e anseio, da intangibilidade de infinitude. Monocromática é uma figura pura de duração em que todas as imagens e toda a narrativa são dissolvidas. Aqui, antes da cor do infinito, o olhar é exposto à infinitude do tempo. Esta representação paradoxal é apresentada de cada vez como uma impossibilidade, uma impotência, e uma precariedade. É neste sentido de incompletude que dá a ideia de um rigoroso tempo no espaço, podem ser localizadas irrepresentávelmente, a ideia de um espaço além da imagem em que a representação excede o local de representação. »

2010-09-21T01:44:00.000-07:00

Duarte Encarnação

Nasceu em 1975 – Funchal

Estudou

Artes Plásticas | Escultura – Departamento de Arte e Design / Uma, 2001

Diploma de Estudos Avançados (DEA) – Acultad de Bellas Artes de San Carlos | UPV, Espanha.

Doutorando no Departamento de Escultura, Universidad Politécnica de Valencia,

Espanha, com a tese “Expansiones del híbrido escultura / arquitectura:

Cartografías de un Arch – Art como respuesta al arte público crítico"

Vive e trabalha no Funchal

Obtém uma bolsa de mobilidade pelo MECD, Espanha, 2003. É Docente no centro de Competências de Artes e Humanidades | Uma.

Entre 1997 e 2008 tem vindo a realizar várias colectivas em Portugal e no estrangeiro entre as quais destaca “ XXXI Prémio Bancaixa ( Arte Digital)”, IVAM, 2003. È-lhe atribuído o 1º prémio aquisição/ex-aequo Escultura, Casa das Mudas, 1999. Em 2007 participa na colectiva “ ração para animais”, MAC Funchal, onde se destacou a modo de ensaio o “laboratório de Habitáculos”, caracterizado pela relação corpo, arquitectura e mecanização.

2010-09-21T01:41:00.000-07:00

João Moniz

Nasceu em 1949 – Lisboa

Estudou

Escola de Artes Decorativas António Arroio

École nationale Supérieure des Beaux Arts de Paris

Vive e trabalha entre Lisboa e Paris

Referindo-se à obra de João Moniz, António Baptista Pereira considera: "Estamos perante uma identidade artística que se define intrinsecamente por sempre a mesma e ser sempre outra, ou seja, perante as mil faces de um rosto, sempre o mesmo e sempre outro, tal como nas orientais estelas dos mil budas, mas também perante a análoga identidade fugidia da Pintura, ela própria sempre a mesma e sempre outra, oscilando entre o eterno e o infinito da Ideia e a variação e o contingente do Existir".

Com mais de 50 exposições individuais, desde o início dos anos 70, nas mais conceituadas galerias e centros culturais, nacionais e da Europa (Centro Cultural Português – Fundação Gulbenkian, Paris; Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa; Maison de da Culture da la Rochelle, França; Instituto Camões, Paris; Galeria In Zwinger, Alemanha; Galerias Quadrum, R75, 111 e António Prates, Lisboa; UNESCO, Paris; Centro Cultural de Cascais - Fundação D. Luís I, entre outros), João Moniz tem também marcado presença a Oriente, nomeadamente em Macau (Casa Garden - Fundação Oriente e Leal Senado), e Hong Kong (Arts Center), para além contar com a participação em cerca de 60 exposições colectivas.

Está representado em numerosas colecções em Portugal, Europa, Estados Unidos e Ásia.

2010-09-21T01:35:00.000-07:00

João Fonte Santa

Nasceu em 1965 – Évora

Estudou

Licenciatura em Artes Plásticas – Pintura, na Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa

Vive e trabalha em Lisboa

João Fonte Santa, é hoje um artista de relevo no panorama da pintura, da ilustração e da BD contemporâneas, colaborando frequentemente como ilustrador em diversas publicações nacionais e estrangeiras, além de dedicar-se também ao comissariado de exposições de Arte Contemporânea.

Segundo o artista, o trabalho apresentado no projecto Lonarte 10: Travessa Das Almas, “ trata-se de uma colagem feita a partir de uma pintura original, com o mesmo titulo do ano 2000, da série " The Underground Sites Of Lisbon - O Aprendiz Preguiçoso " . Esta série trata-se de um retrato autobiográfico, sustentado por uma estrutura narrativa e um conjunto de parafernália memorabilística, inserida num discurso plástico que engloba em si germes da chamada cultura de massas. Neste sentido, esta obra enquadra-se tematicamente em torno da persistência da memória e da sua importância enquanto fenómeno de construção social e politica, processo de mais valia que se opõe à regragem coerciva a que o individuo se encontra sujeito ao longo de todo o processo iniciático de aceitação social, daí que enfoque prioritariamente o desajustamento e a inadaptação como forma desajeitada de procura.”

2010-09-21T01:27:00.000-07:00

Lisbeth Moe Nilsen

Nasceu em 1980– Oslo – Noruega

Estudou

Maumaus Escola da Artes Visuais, Lisboa | 2009 - 2010
BA (Honours) Fine Art, University College for the Creative Arts at Canterbury, Kent, England | 2005 - 2008
DTK Institute of Fine Art, Haslum, Norway | 2000 - 2004

Vive e trabalha em Lisboa

Meu processo de trabalho envolve a exploração nas propriedades físicas e psicológicas da linha, forma e material. A simples linha ou o ponto, que são o fundamento do processo de obras, funciona como uma conexão entre a mente, a mão e o material.

Cores limitadas ou não-cores, materiais naturais e formas simples são usadas para expressar a complexidade dos pensamentos e emoções. "Como pode um estado emocional se tornar uma experiência visual?" Como fazer a visita invisível? 'São as perguntas que formaram o pensamento em torno de minha prática, trabalhando com a captação de pensamentos e sentimentos transformando-os em linhas e formas.

Sand Walk (2010) é a sombra de uma acção realizada num determinado momento, um sinal de um caminho, traços que muitas vezes são deixados despercebidos. Este desenho é inspirado pelos elementos da areia e pelas muitas formações das areias. Que não é singular para a areia, mas para a vida em geral. Em breve uma nova formação terá lugar e o que se vê será a verdade. Tudo tem uma forma - uma forma em movimento, que muda dependendo do olhar de quem vê.

O tempo é um elemento importante no meu trabalho. O trabalho tem o seu próprio pulso e ritmo, que é criado num determinado período de tempo. A expressão está tomando forma no processo - diálogo com o material físico, o abstracto com a ideia. O processo de pensamento ou movimento mental no processo, revela-se através da sensibilidade ou da intensidade da linha, da forma ou da superfície.

A técnica é essencialmente subordinada à ideia, mas ao mesmo tempo, uma importante ferramenta para a criação do produto acabado. A relação entre a linha e a forma, entre o pensamento dentro e fora, entre o abstracto e o concreto, entre os meios de comunicação, são fundamentais para o meu trabalho. Assim a criação final das obras não são por si só a obra de arte, mas também a ideia de processo e de reflexão do artista.

Informação | Lonarte

2010-08-24T04:36:00.000-07:00

João Francisco

2010-08-24T04:35:00.000-07:00

Bruno Côrte

2010-08-24T04:34:00.000-07:00

Constantino Morosin

2010-08-24T04:33:00.000-07:00

Jair de Souza

2010-08-24T04:31:00.000-07:00

António Inverno

2010-08-24T04:30:00.001-07:00

Paula Rego

2010-08-24T04:28:00.000-07:00

Juan Gopar

2010-08-24T04:27:00.000-07:00

José de Guimarães

2010-08-24T04:25:00.000-07:00

Jesus Jaime Javier

2010-08-24T04:24:00.000-07:00

Óscar Melgar

2010-08-24T04:23:00.000-07:00

Galeria dos Prazeres - ORIGINAIS - 3ª FASE | até 9 de Setembro

2010-08-24T04:17:00.000-07:00

2010-08-17T08:21:00.000-07:00

João Francisco

Nasceu em 1984 – Torres Vedras

Estudos Licenciatura em Artes Plásticas – Pintura na Faculdade de Belas Artes da

Universidade de Lisboa

Vive e trabalha em Torres Vedras

Na criação artística de João Francisco, tudo anda à volta da natureza-morta, das coisas que diariamente observa e da sua forma de representá-las. Podem ser objectos ou fragmentos, acumulações e disposições ordenadas, representações de objectos e de imagens estas últimas, muitas vezes com referências e citações da história da pintura: com exemplo o auto-retrato de Gauguin, mas não parece tratar-se tão somente da vontade de fabricar puzzles com sugestões de erudição - a ironia, a auto-ironia estão muito presentes. Há também uma clara referencia a obras de Mário Eloy .

Utiliza técnicas como o desenho a grafite, acrílico sobre papel, óleo sobre tela e apresenta temáticas tão dispares tais como: uma imprevista bomba insecticida, o/os ténis, ossos, cartas de jogar, brinquedos ou bonecos de peluche, uma casca de banana ou um morango, etc.

Uma muito ágil circulação entre a história da pintura e a banda desenhada. Estes são objectos vistos, escolhidos e encenados, recordados e apropriados, e são também imagens desenhadas, por onde se tomam liberdades com "o natural", instabilizando o destino da representação e a razão de ser desse lugar de ilusões onde se recria ou cria o que se mostra. Entre o humor e o enigma, sem finalidade.

2010-08-17T08:19:00.000-07:00

Bruno Corte

Nasceu em 1974 – Funchal

Estudos Licenciatura em Pintura pela Universidade da Madeira

Ilustração na AR.CO

Vive e trabalha entre Lisboa

Começou a expor em 1998. Em 2001 vence o primeiro prémio do II Concurso Regional de artes Plásticas, na Casa das Mudas, Ilha da Madeira com Landscape Study e em 2003 vence o segundo prémio no mesmo concurso. Foi seleccionado em 2003 para o III Prémio de Escultura City Desk, no Centro Cultural de Cascais, onde apresentou a peça Guarda-Folhas. Em 2008 vence uma Bolsa de viagem ao Japão atribuída pela Bienal de Cerveira de modo a prosseguir com um projecto de pesquisa em torno da paisagem, um tema, diga-se, que tem vindo a ser pesquisado e explorado de diversas formas, quer na pintura, instalação e mais recentemente com a fotografia. A utilização de espaços fechados para a realização de plantações e uma evidente reinterpretação da natureza têm sido aspectos relevantes no seu trabalho, onde se destaca Landscape Room, Teatro Municipal, Funchal, em 2002 e Private Underground, Museu de Arte Contemporânea, Funchal, em 2003. A apropriação e posterior utilização e acumulação de diversos elementos da natureza, tais como folhas, flores, ramos de árvores e plantas tem sido outra predominância, por vezes associados a objectos de jardinagem, Me and my nature, Casa da Cultura de Santa Cruz, 2002; Sementes e outras naturezas, Galeria Serpente, Porto, 2004; Chlorophyll room, Museu de Arte Contemporânea, Funchal, 2007 e Herbarium, galeria Serpente, Porto, 2009, onde apresentou uma serie de folhas e flores recolhidas entre 1999 e 2009 são exemplos. Neste momento a sua pesquisa artística abarca principalmente a fotografia. Uma nova abordagem da paisagem tem marcado o seu trabalho, tanto no que se refere à transitoriedade e exploração do espaço enquanto reprodução sazonal quer de um ponto de vista vivencial onde é destacada a intervenção do homem. A analogia entre o homem, a natureza e o próprio artista, assim como uma nova interpretação e disposição do tempo natural das estações do ano, das intempéries e do crescimento das plantas são alguns critérios a destacar nesta observação, in loco ou à distância, metódica e quase minimalista. Tem exposto regularmente na Galeria Serpente, no Porto.

2010-08-17T08:16:00.000-07:00

Constantino Morosin

Nasceu em 1950 – Veneza

Estudou Licenciatura em Cenografia pela Academia de Belas artes de Veneza - 1975.

Vive e trabalha em Calcata – Itália

Costantino Anacleto Morosin, de origem veneziana , vive e trabalha em Calcata, uma aldeia muito antiga, cinquenta quilómteros a norte de Roma, que juntamente com outros artistas fez renascer com a criatividade.

Pintor, escultor, com interesse pela antropologia, evolução das linguagens e tecnologias, co-fundador do Museo de Arte na Natureza - a ” Opera Bosco”, de 2002 tem vindo a desenvolver o projecto “SIGNA”, onde cria obras de arte com uma nova concepção que trazem à esfera do comportamento simbólico, criativo, artístico, instrumentos e tecnologias por satélite, que até então permaneciam no âmbito da utilidade.

2010-08-17T08:12:00.000-07:00

Jair de Souza

Nasceu em 1947 – Rio de Janeiro – Brasil

Estudou Escola Nacional de Belas Artes do Rio de Janeiro (Curso de Comunicação Visual)

Diploma de Comunicação Visual conferido pela École Nationale Supérieure dês

Arts Decoratifs, Paris

Vive e trabalha no Rio de Janeiro

Projecto da Lona: Portuguesas

Segundo o Designer Jair de Souza: “ O Rio de Janeiro tem como elemento marcante da sua identidade, as calçadas com Pedras Portuguesas, é assim que nós às chamamos. Foram os portugueses e seus calceteiros, que para cá trouxeram e realizaram nossas primeiras calçadas.

Até hoje elas dominam nossas ruas e avenidas e fazem parte da alma da nossa cidade.

Sempre falo que as pedras portuguesas são os nossos píxeis. Uma espécie de unidade básica da nossa identidade visual.

Quis mandar essas pedras portuguesas, de volta para esse lugar no meio do grande oceano entre nossas duas terras; Brasil e Portugal.

Lugar tão significativo e fantástico, formado por pedras vulcânicas e omnipresentes.”

Jair de Souza é dos mais prestigiados Designers, sendo distinguido internacionalmente ao longo da sua carreira com vários prémios relacionados com o seu trabalho.

Em 2001, cria a sua empresa de Design, Vinte Zero Um Comunicação, onde tem vindo a desenvolver os seus projectos, sendo que um dos mais recentes ligado ao Museu do Futebol, na cidade de São Paulo, valeu-lhe a distinção do prémio Gold, no IDEA International Design Excellence Awards - 2010.

2010-08-17T08:10:00.000-07:00

António Inverno

Nasceu em Monsaraz – 1944

Estudou na Escola António Arroio – curso de Gravador Litógrafo, 1958-64

Vive e trabalha em Beja

António Inverno é um notável criativo artista plástico e um dos pioneiros da serigrafia de arte, moderna e contemporânea, em Portugal, abordado como um homem de cultura e objecto das mais altas distinções .

Com uma obra própria e representativa, António Inverno é também um divulgador generoso da obra de inúmeros autores de nomeada e jovens revelações das gerações de 50 a 90, superando lacunas e acrescentando pesquisa e inovação experimental à sua formação original de Gravador Litógrafo, adquirida na Escola António Arroio (1958-64), onde apreendera os ensinamentos de notáveis mestres .

Em 1993, fundou o CSAI ou seja o seu próprio Centro de Serigrafia, sendo até então, o primeiro e mais conceituado atelier português do género, por si mesmo «inventado».

Desenhista compulsivo e perfeccionista, pintor auto-exigente e analista gráfico analógico , cuja percepção e sensibilidade se evidenciam na sua obra, onde se destaca uma tendência apaixonada pela forma como pinta a nobreza do touro, e o seu Alentejo, que dominam a temática de todas as suas telas .􏰂􏰇􏰂􏰷􏰇􏰊􏰋

2010-08-17T03:49:00.000-07:00

PAULA REGO

Nasceu em Lisboa em 1935

Estudou na Slade School of Art, Londres, entre 1952 e 1956.
Vive e trabalha em Londres

Foi seleccionada para o prémio Turner em 1989.

Desde a sua primeira exposição individual em 1965, o seu trabalho tem sido exibido nas mais prestigiantes galerias e museus de todo o mundo: Serpentine Gallery, Londres, 1997; Centro Cultural de Belém, Lisboa, 1997; Tate Gallery, Liverpool, 2007; Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa, 1999; Museu Serralves, Porto, 2004; Museo Nacional Reina Sofia, Madrid, 2007.

Está representada em diversas colecções públicas e privadas, tais como: Arts Council, British Council, British Museum, Colecção Berardo, Fundação Calouste Gulbenkian, Museu de Arte Contemporânea de Serralves, National Gallery, Londres, Saatchi Gallery, Londres, Tate Gallery, Londres, Victoria and Albert Museum, Londres. Em 2009, inaugura a Casa das Histórias Paula Rego, um museu dedicado à sua obra em Cascais.

2010-08-17T03:42:00.000-07:00

Juan Gopar

Nasceu em 1958 – Lanzarote - Espanha

Estudou Licenciatura em Engenharia - 1965.

Vive e trabalha em Lanzarote

Juan Gopar , utiliza nos seus trabalhos uma expressão artística criativa e multidisciplinar, abrangendo eventos tão diversos como pintura, escultura, fotografia e video.

Gopar, é um autor prolífico, testemunho disso são as cerca de mil obras que criou nestes últimos dez anos, atualmente trabalhando em dois estudios. Um deles tem suas esculturas, enquanto no outro, pequenas obras de pintura. Além disso, sua longa história, é apoiada por inúmeras exposições individuais e coletivas, tanto em Espanha como no estrangeiro. Seus trabalhos estão representados em várias coleções permanentes, tais como La Caixa, em Barcelona, Genty Latimer em Londres, no Centro Atlântico de Arte Moderna (CAAM) de Gran Canaria, a Achenbach Arte Consultoria em Dusseldorf, ou Artium de Vitória.

Segundo o crítico Orlando Franco, "John Gopar trabalhos da memória e faz uma espécie de linguagem de anulação que se alimenta e se apropria dos rudimentos que incentivam a partir de um único campo: o seu ambiente imediato." Para Franco, o trabalho de Gopar dá-nos o "sentimento do homem tragédia arqueológicos no tempo."

2010-08-17T03:19:00.000-07:00

José de Guimarães

Nasceu em 1939 – Guimarães

Estudou Licenciatura em Engenharia - 1965.

Vive e trabalha entre Lisboa e Paris

De seu nome completo José Maria Fernandes Marques, adoptou o pseudónimo artístico de José de Guimarães, como homenagem à terra que o viu nascer. É considerado um dos principais artistas plásticos portugueses da Arte Contemporânea.

Com uma obra notável, particularmente na pintura, fez também incursões na escultura e noutras actividades criativas a nível estético, quer nacional, quer internacionalmente.

José de Guimarães tem uma vasta obra pública, quer em território nacional, quer no estrangeiro, com especial destaque para o continente asiático. Desenvolve este tipo de intervenção como “uma forma de atribuir identidade às cidades" e a exemplo desta, gosta de exemplificar o desafio que levou-o a redesenhar a cidade de Kushiro, no Japão.

É um dos mais galardoados artistas portugueses, estando representado em museus e colecções públicas e privadas, espalhadas um pouco por todo o Mundo, tais como a Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa, Fundação de Serralves, Porto, Museu Nacional de Arte Contemporânea de Madrid, Rockefeller Art Center (EUA), Museu de Arte Moderna de São Paulo, Brasil, Museu de Arte Moderna de Bruxelas, Wurth Museum, Alemanha e o Museu de Angola, entre outros.

2010-08-17T03:13:00.001-07:00

Jesus Jaime Javier

Nasceu em 1968 – Panamá

Vive e trabalha no Panamá

É um pintor muito procurado por donos de autocarros, formado em mecânica de automóveis e design gráfico, entre outras disciplinas, dedica-se a tempo inteiro a autocarros que ele começou a pintar em 1989.

Participou, em 2006, na Bienal de Liverpool, a convite do curador Gerardo Mosquera, onde apresentou a sua arte, pintando vários autocarros que serviram para circular durante este acontecimento de arte.

2010-08-17T03:08:00.000-07:00

Óscar Melgar

Nasceu em 1969 - Panamá

Vive e trabalha no Panamá

Começou a trabalhar aos 14 anos como aprendiz de Andres Salazar, um expoente da arte de pintar o "Diablo Rojos" (ônibus coletivo).

Desde a infância, era conhecido por seus desenhos, depois de estudar e se dedicar à arte, é agora responsável por mais de 80% dos ônibus que circulam na Cidade do Panamá. Isso o levou a participar, em 2006, na Bienal de Liverpool, a convite do curador Gerardo Mosquera. Mais recentemente tem vindo a apresentar exposições em várias Galerias de arte, onde recentemente apresentou uma mostra sobre o retrato enigmático seteadas mulheres, refletindo o hábito que as mulheres do Panamá têm em cuidar dos seus cabelos e da sua beleza em geral.

VISITE O PROJECTO LONARTE E VEJA TAMBÉM...

2010-07-31T11:14:00.000-07:00

2010-07-31T11:09:00.000-07:00

2010-07-31T10:53:00.000-07:00

PINTURA A AERÓGRAFO DO AUTOCARRO DA CÂMARA MUNICIPAL DA CALHETA

No âmbito do projecto Lonarte10, estão na Madeira desde o dia 5 de Julho, dois dos mais importantes artistas do Panamá que desenvolvem à mais de 25 anos, a técnica de aerógrafo de forma a poderem pintar imagens nos autocarros que circulam na Cidade do Panamá, satisfazendo desta forma uma clientela muito exigente, que pretende dar ao seu "Ónibus" uma personalidade ímpar de forma a serem facilmente identificativos junto da sua habitual clientela.

Depois da pintura de duas das carrinhas que habitualmente transportam as crianças dentro do Concelho da Calheta para as respectivas escolas, estes dois artistas Óscar Melgar e Jesus Jaime Javier, estão pintando um autocarro, sendo possível ver a execução deste trabalho na Praia da Calheta ( junto ao Hotel Calheta Beach) entre as 11 horas e as 19 horas.

MARCOS RAMIREZ

2010-07-28T14:49:00.000-07:00

JOSÉ MANUEL GOMES

2010-07-28T14:48:00.000-07:00

DESIDÉRIO SARGO

2010-07-28T14:46:00.000-07:00

PEDRO PROENÇA

2010-07-28T14:44:00.000-07:00

SHILPA GUPTA

2010-07-28T14:42:00.002-07:00

EAMON ORE-GIRON

2010-07-28T14:42:00.001-07:00

RICARDO BARBEITO

2010-07-28T14:40:00.000-07:00

CARLOS NOGUEIRA

2010-07-28T14:39:00.000-07:00

EKO NUGROHO

2010-07-28T14:38:00.000-07:00

KALLE RUNESON

2010-07-28T14:36:00.000-07:00

2010-07-14T01:59:00.000-07:00

Óscar Melgar & Jesus Jaime Javier

PANAMÁ

“ Diablos Rojos ”, são os autocarros que percorrem as ruas da Cidade do Panamá e são um fenómeno que iniciou-se através dos condutores e proprietários, que têm vindo a tomar o controle dos transportes públicos nesta cidade.

Muitos desses autocarros, têm sua própria estética altamente individual. Pintados com imagens tão díspares como neve ou paisagens de lugares tão distantes como os existentes na Europa, além de imagens dos actores de Hollywood, dos santos, de desportistas, ou de políticos etc.

Esta prática não apenas deu origem a um novo tipo de artista responsável pela expressão da personalidade, gostos e crenças dos proprietários dos veículos, mas também uma alternativa comercial e uma rede inteira de trabalho.

Óscar Melgar

cujas pinturas enfeitam muitos autocarros na capital, começou a trabalhar na idade de 14 anos na oficina de Andrés Salazar, um dos "pais" da pintura de ônibus.

Jesús Javier Jaime

É também um pintor muito procurado por donos de autocarros, formado em mecânica de automóveis e design gráfico, entre outras disciplinas, dedica-se a tempo inteiro a autocarros que ele começou a pintar em 1989.

Em 2006, estes dois artistas foram convidados a participar na Bienal de Liverpool, onde realizaram um projecto de pintura de cerca de 8 autocarros, que depois de arrojadamente pintados, foram utilizados para transportar o público da referida bienal entre os diferentes pontos de localização dos projectos de arte pública desenvolvidos durante esse período na referida Cidade.

Desde então, esta dupla têm vindo a ser convidada para os mais diversos eventos de arte em todo o Mundo.

A convite da Câmara Municipal da Calheta, de forma a serem integrados no projecto de arte pública, Lonarte10, estes dois artistas aceitaram o desafio e estão pintando duas carrinhas que habitualmente fazem o transporte escolar no Município.

Assim e associado ao projecto Lonarte, teremos também a partir de 23 de Julho, duas carrinhas pintadas por estes dois artistas do Panamá, que irão servir para fazer circular entre a Praia da Calheta e a Galeria dos Prazeres, público que queira ver os originais que deram origem às lonas que estarão em exposição na Praia da Calheta.

Até 20 de Julho poderá ver estes artistas a pintar a aerógrafo na promenade da praia da Calheta.

2010-07-06T02:54:00.000-07:00

Kalle Runeson

Nasceu em Stockholm – Suécia, em 1972

Estudos

Academy of fine arts in Oslo, dep. Statens Kunstakademi, Norwa - 1998 | 02

Hovedskous Målarskole, school of arts, Göteborg, Sweden – 1996 | 98

Falkenbergs konstskola, school of arts, Falkenberg, Sweden – 1995 | 96

Vive e trabalha em Öland

Segundo o artista “ pinto como vejo as coisas. As minhas imagens resultam da minha realidade circundante , desde a música que eu escuto ás imagens que vejo. Para pintar estas coisas, sinto que é ridículo, mas que ao mesmo tempo é útil, pois o meu trabalho transforma-se numa das muitas formas de documentar os vários momentos da minha vida”.

Kalle Runeson vive na ilha sueca Öland, no Mar Báltico. Aprecia o silêncio e a solidão da vida no campo. A sua criação artística é feita em paralelo com o acompanhamento do crescimento das suas verduras e da reparação da sua antiga casa. Um forte contraste com a vida que antigamente tinha na cidade, onde o ambiente era fortemente repleto de uma cultura moderna.

Esta nova realidade vivencial, afectou todos os aspectos da criação das suas obras. Sendo que neste momento o seu foco principal de criação remete-se para o período de tempo em que a arte representa a história cultural específica da sua identidade.

Em 2009, Kalle Runeson expõe individualmente no GAD, em Oslo, Noruega, exposição esta denominada: "O sonho de conquistar Anfíbios the Stars" . Em Agosto do mesmo ano participa na exposição coletiva "Mutant Pop", com curadoria de Dearraindrop no Loyal, Malmö, Suécia

2010-07-06T02:51:00.000-07:00

EKO NUGROHO

Nasceu em 1977 - Yogyakarta, na Indonésia

Estudos

High School for Fine Arts (SMSR) Yogyakarta-1993 – 97

Painting Department, Indonesian Art institute,Yogyakarta -1997 - 2006

Vive e trabalha em Yogyakarta – Indonésia

As obras de Eko estão enraizados no seu cotidiano e as imagens refletem o ambiente politicamente carregado existente na Indonésia. Com recurso bem humorado, mas com perturbadoras sátiras sociais, utiliza personagens parte homem, parte máquina, abordando questões como a da pobreza, da injustiça social, dos fanáticos religiosos, e da corrupção.

Nos trabalhos e de forma a contar as suas histórias, utiliza uma gama diversificada de meios de comunicação, e uma variedade de formas: murais, pinturas, desenhos, quadrinhos, projeção de vídeo, animação e bordados de grande escala, tendo em conta as diferentes audiências e os diferentes locais para onde desenvolve os seus projectos.

Eko Nugroho tem participado em inúmeras exposições internacionais, incluindo "Já nos conhecemos?" na Fundação Japão, Tóquio, 2004-05, e "Shadows: Arte Contemporânea do Sudeste Asia'at Haus der Kulturen der Welt, Berlin, de 2005, e mais recentemente no Contemporary Arts Center New Orleans, Lousiana,USA, 2008; no Singapore National Museum, Singapore, 2008 e na Bienal de Lyon, França, 2009

2010-07-06T02:49:00.000-07:00

Carlos Nogueira

Nasceu em Moçambique, em 1947

Estudos

Escultura na Escola Superior de Belas-Artes do Porto

Pintura, na escola de Belas – Artes de Lisboa.

O seu campo de trabalho situa-se no domínio da tridimensionalidade, prospectivando relações de permeabilidade entre as práticas da escultura e da arquitectura contemporâneas. A sua obra promove o cruzamento dos princípios inerentes às respectivas disciplinas – espaço onde ambas se reinventam para dilatar o seu campo de operatividade.

Os projectos desenvolvidos potenciam relações com o lugar, convocando o espectador para uma posição de performatividade, em que a obra bem como o espaço envolvente - habitados em simbiose - se reinvestem mutuamente de sentidos.

Professor Associado Convidado no departamento de Arquitectura da Universidade Autónoma de Lisboa e no Colégio Moderno em Lisboa, Carlos Nogueira pensa os processos de investigação e concepção, subjacentes às áreas de projecto, como parte integrante da obra. A vertente de projecto é revelada também no trabalho de desenho e nos diversos livros de artista já publicados.

2010-07-06T02:43:00.000-07:00

Ricardo Barbeito

Nasceu em 1979 – Funchal

Estudos

Artes Plásticas pela Universidade da Madeira (2005). Realizou um Estágio Profissional na Porta 33 entre Abril e Dezembro de 2007 Mestrado em Arte e Património: no contemporâneo e actual a partir de um projecto de arte pública efémera (2009).

Tem participado em diversas actividades, desde produção de eventos a intervenções em espaços públicos. Expõe colectivamente desde 2001 e em 2006 realizou a sua primeira exposição individual, intitulada Candy Shop, no Salão Nobre do Teatro Municipal Baltazar Dias. 

Em 2007, foi distinguido com o 3º lugar no 5º Concurso de Artes Plásticas, Casa das Mudas, Prémio Henrique e Francisco Franco, com a obra polémica intitulada Existe um muro capaz de impedir a bisbilhotice?

Actualmente é um dos seleccionados para a bolsa 'Santadereuropa', atribuída pela Fundação Santander 2016. Bolsa esta , que prevê a permanência do artista durante nove meses em Santander, estudando e trabalhando no atelier do artista Juan López, para desenvolver um projecto de arte pública orientado pelo mesmo, inserida na candidatura da cidade a Capital Europeia da Cultura, em 2016.

2010-07-05T14:46:00.000-07:00

Eamon Ore-Giron

Nasceu em Tucson, em 1973

Estudos

BFA de San Francisco Art Institute (1996)

MFA da Universidade da Califórnia, Los Angeles (2006).

Viveu no Peru, Espanha, México e no sudoeste dos Estados Unidos, onde foi buscar grande parte do seu vocabulário visual.

As pinturas de Eamon Ore-Giron, são obras realizadas sobre papel e instalações com mistura de design gráfico contemporâneo, arte popular e turística, com um surrealismo de hibridismo de mexicanos, sul-americano, nativo

americanas, e outras culturas da América.

Foi distinguido com o prémio de Artadia: the Fund for Art and Dialogue and the Headlands Center for the Arts.

Expôs individualmente no Muca ROMA, Cidade do México (2006); Inch Queen's, San Francisco (2005) e Pennsylvania Academy of Fine Art, Philadelphia (2005). O seu trabalho foi também incluído nos shows do grupo no Yerba Buena Center for the Arts, San Francisco, e na exposição do museu itinerante, Phantom Sightings: “Art After the Chicano Movement, que foi organizado pelo Los Angeles County Museum of Art e que viajou por vários locais, quer no México, Nova York e no Texas (2008-2009).

Juntamente com seu colaborador Julio Cesar Morales, Ore Giron DJ, cria fóruns de cultura de áudio com o nome Los Jaichackers, bem como a sua música a solo como DJ LENGUA.

2010-07-05T14:43:00.000-07:00

Shilpa Gupta

Nasceu em 1976 – Mumbai, na Índia,

Estudos

Escultura na J.J: Sir Escola de Belas Artesbentre 1992 -97

Vive e trabalha em Mumbai

Desde os seus primeiros trabalhos na área do vídeo dos finais de 1990 às suas mais recentes websites, tais como, Sentiment Express, 2001 e xeno-lab.com-bio, 2003, Shilpa Gupta, demonstra o seu compromisso com a interatividade, e de como os seus interesses em política e cultura se dividem.

Criando uma série de obras de arte on-line, a artista vê este mecanismo da web, como sendo uma forma de extensão da sua realidade cotidiana. Para ela, a rede é uma parte habitual de um mundo conceptual, da mesma forma que a televisão foi para uma geração anterior.

Assim, falar de política, da natureza da intimidade, das diferenças culturais, do amor, da tradição política de gênero, da ideologia, do capitalismo global e do impacto que estes têm sobre o individual é uma extensão natural do mundo desta artista.

Seu trabalho tem sido mostrado em importantes instituições internacionais e museus como a Tate Modern e a Serpentine Gallery, em Londres, a Fondazione Sandretto Re Rebaudengo em Torino, na Daimler Chrysler Contemporânea de Berlim, no Mori Museum, em Tóquio, no Astrup Fearnley Museum of Modern Art, em Oslo, no Salomão R. Guggenheim Museum, no New Museum e no Museu de Queens, em Nova York, no Chicago Cultural Center, Louisiana no Museum of Modern Art, em Humlebæk e na Devi Art Foundation em Gurgaon, entre outros.

2010-07-05T14:37:00.000-07:00

Pedro Proença

Nasceu em 1962 – Lubango, Angola

Formado em Pintura pela Escola de Belas Artes de Lisboa - 1986

Vive e trabalha em Lisboa

Reconhecido artista plástico, expõe com regularidade desde 1981, tanto em Portugal como no estrangeiro. A sua carreira internacionalizou-se cedo, tendo sido seleccionado para o Aperto da Bienal de Veneza lno ano de 1988.

Em 1982 formou o "movimento homeostético" em parceira com mais cinco artistas : Fernando Brito, Ivo, Manuel João Vieira, Pedro Portugal e Xana, realizaram várias exposições e são responsáveis , sobretudo Pedro Proença , pela redacção de diversos “manifestos”. Este movimento, foi em 2004, objecto de uma exposição retrospectiva na Fundação de Serralves, Porto.

A sua criação artística, desenvolve-se na encenação da complexidade através de multiplas pulsões estilisticas, provocadas pelos diferentes estilos (o barroco, o rococó, a idade média), realizando na década de 80, desenhos a pincel que representam figurações humanas de carácter alegórico e mítico, muito próximas também do imaginário greco-latino. O aspecto gráfico da sua obra é ainda acentuado pela convivência de zonas de cromatismo tonal áspero com zonas totalmente lisas, onde pontualmente aperecem palavras associadas ao desenho esquemático.

Além da pintura e do desenho, Pedro Proença , tem vindo pontualmente a ilustrar e publicar alguns livros, sendo que ambas as práticas contam com um vasto currículo expositivo e com várias públicações.

No seu curriculum, destacam-se as exposições da Fundação Cartier, Paris; Kunstwerein de Frankfurt,1988; Frith Gallery, Londres,1989; Galeria Camargo Vilaça,SP-Brasil,1988, Fundação Gulbenkian, Lisboa, 1994, e Pallazo Ruspoli de Roma, 1994.

2010-07-05T03:44:00.000-07:00

Desidério Sargo

Nasceu em 1978 – Funchal, Madeira

Estudos

Licenciado em escultura pela Universidade da Madeira

Vive e trabalha no Funchal

Projecto: Palimpsesto – OUSIA ou HYPOSTASIS??

O corpo como suporte, como sustentáculo de uma pessoa, susceptível de assumir uma postura, um conceito, …, de expressar uma opção de vida, um estatuto social, um pré-conceito que rotula quem o habita conforme a sua aparência.

Um jogo entre a aparência versus essência. O corpo / Homem como pessoa ou como substância. Pessoa [prósopon] como ideia de representação, máscara ou imagem; substância [substantia (ou OUSIA)]como essencialidade do próprio ser.

Uma essência que todos os dias é bombardeada de novos conceitos, ideias, realidades, mudanças, …, um palimpsesto onde as várias camadas formam, deformam e definem o Homem [na sua essência, com a sua aparência]. No caos do ser, do parecer, do pensar, do dizer, do viver, do sentir, do querer, …, Palimpsesto – OUSIA ou HYPOSTASIS?? questiona a essência , ao contrario da mudança constante - o que permanece, ou as mudanças que se tornam realidade assumindo-se como essência. É o que permanece ou o que muda?

O homem como actor e espectador da sua própria mise-en-scène, das suas opções ao longo da vida, mesmo quando julga e opta não ter outra opção.

2010-07-05T03:40:00.000-07:00

José Manuel Gomes

Nasceu em 1956, Madeira

Estudos

Licenciou-se em Escultura no Instituto Superior de Artes Plásticas da Madeira

em 1982.

Vive e trabalha na Madeira

É professor Auxiliar na Universidade da Madeira, no CCAH (Centro de Competências de Artes e Humanidades).

Em 1997, prestou provas públicas para Professor Agregado do 6º Grupo/Escultura das ESBAS (Escolas Superiores de Belas Artes).

Desde 1982 e em simultâneo com a docência, tem vindo a trabalhar e a expor publicamente o seu trabalho com alguma regularidade.

O seu trabalho artístico tem-se caracterizado essencialmente pela intervenção tridimensional, com a execução de várias esculturas de pequena e média dimensão e explorando diferentes materiais. Na década de oitenta explorou predominante a escultura em cimento/betão experiência essa, que viria a culminar em 2000 com a execução de uma escultura pública (betão, bronze e cobre), em resultado da encomenda de uma entidade privada para jardim público, no arredores da cidade do Funchal, (Achada). Já nos anos noventa o seu trabalho pautou-se por uma maior utilização do metal, muitas vezes conjugados com a madeira e outros materiais. Desde 1994 mas sobretudo nos últimos anos, tem, numa atitude exploratória, executado um trabalho de investigação e experimentação sobre a oxidação dos metais e o seu aproveitamento plástico. Uma espécie de pintura química, de que resulta, precisamente, grande parte dos trabalhos mais recentes. 2008, 2009 e 2010.

2010-07-05T03:34:00.000-07:00

Marcos Ramírez ( ERRE)

Nasceu em 1961 – Tijuana, México

Licenciado em Direito pela Universidade Autónoma de Califórnia - 1982

Vive e trabalha em Tijuana

Conhecido como "ERRE", é considerado um dos artistas mais proeminentes na região, e a figura sénior na comunidade florescente artista Tijuana.

Cria grandes instalações públicas, caracterizadas por uma consciência política e social, sendo desde a uma longa data, explicador e árbitro do diálogo transfronteiriço.

No seu trabalho, ERRE, apresenta uma sensibilidade poética para o desenvolvimento físico, limites económicos, linguísticos e culturais que separam as pessoas.

Tem vindo a receber inúmeros elogios por parte da crítica, e em especial pelas suas contribuições para inSITE94 e inSITE97, resultado da sua participação na exposição binacional em San Diego e Tijuana.

Desde esta altura, que tem vindo a expor nos Estados Unidos e no México, e participando em inúmeras conferências e exposições um pouco por todo o mundo com destaque para a Bienal São Paulo-Valência: Encuentro entre dos mares in Valencia, Espanha ; a Bienal de Moscovo 2007 ; a VI e VII Bienal de Havana, Cuba, a Bienal do Whitney,Nova York, 2000; Los Angeles County Museum of Art (2002), no Wexner Center for the Arts ,EUA (2003), e no Museu Rainha Sofia, Madrid, Espanha.

Actualmente é responsável pelo programa de exposições na “Estacion Tijuana”, espaço independente de carácter alternativo e sem fins lucrativos, que envolve áreas como : arte, arquitectura, urbanismo e cultura popular.

MOMENTOS LONARTE III

2010-06-26T07:14:00.000-07:00

MOMENTOS LONARTE II

2010-06-26T07:12:00.000-07:00

MOMENTOS LONARTE

2010-06-26T07:07:00.000-07:00

Rui Carvalho

2010-06-25T04:47:00.001-07:00

Rico Sequeira

2010-06-21T09:24:00.001-07:00

Fátima Mendonça

2010-06-21T09:23:00.001-07:00

Susana Figueira

2010-06-21T09:22:00.000-07:00

Rui Sanches

2010-06-21T09:21:00.000-07:00

Ingo Giezendanner

2010-06-21T09:16:00.000-07:00

Marc Molk

2010-06-21T09:15:00.000-07:00

Sérgio Beju

2010-06-18T09:13:00.001-07:00

RIGO 23

2010-06-18T09:12:00.000-07:00

ISABELLE FARIA

2010-06-18T09:11:00.000-07:00

2010-06-18T03:57:00.000-07:00

LONARTE 10 | Exposição galeria dos Prazeres

2010-06-10T04:05:00.000-07:00

2010-06-02T02:55:00.000-07:00

LONARTE 10

PROJECTO SOCIAL

Com o objectivo de apoiar as diferentes instituições sociais que estão à tutela da Câmara Municipal da Calheta, a maioria dos artistas participantes no projecto Lonarte 10, doaram os seus originais no sentido de serem vendidos.

Os valores resultantes destas vendas irão ser utilizadas nas mais diversas actividades que diariamente são organizadas nos vários centros de apoio social espalhados um pouco por todo o município da Calheta.

As obras originais poderão ser adquiridas através de licitação e durante o período de apresentação do Projecto Lonarte, na Galeria dos Prazeres.

2010-06-01T02:32:00.000-07:00

Rico Sequeira

Nasceu em 1954 – Lisboa

Vive e trabalha entre Lisboa e Luxemburgo

Segundo o artista, “no meu mundo plástico, pelo modo e ordem do seu fazer, o desenho opõe -se à pintura”.

Tudo está ligado ás pranchas de B.D (banda desenhada) que o artista foi adquirindo ao longo dos anos e que segundo este, elas têm vindo a influenciar o seu mundo plástico, e em especial, o seu desenho, como se fossem um impulso imediato de uma matriz interior do próprio ser.

As verdadeiras razões desta forma de criar, segundo Rico Sequeira, devem permanecer misteriosas, porque existem coisas que se devem dizer e outras que não devem ser reveladas, “mesmo quando tento ligar o meu pensamento ao desenho que é uma espécie de alquimia dos sentidos que irá resultar numa combinação e sinais pictóricos, o meu mundo intriga-me, o circular das histórias, os disfarces das formas, o prazer de condizer, a felicidade de se estar contra todos, a alegria de provocar, de brincar com as cores, dão-nos o poder de acreditar numa maneira utópica privada”.

Graças à pintura posso partilhar a minha solidão, mas como diria Duchamp a pintura atrasa-se. O gesto do pintor faz-se numa situação idiota animalesca, não por ter menos interesse, mas porque o meu desenho nasce junto do pensamento, é um exercício de liberdade exemplar do seu próprio gesto.

Para mim, o desenho funciona como uma forma primeira de compreender e sobretudo aprender o mundo. Os meus desenho são como companheiros, heróis de B.D.

2010-06-01T02:28:00.000-07:00

ISABELLE FARIA

Nasceu em 1973 – Saint-Maurdes Fossés, França

Estudou Pintura e Escultura na Faculdade de Belas-Artes de Lisboa,em 1998 e 2002, respectivamente.

Mestrado em Artes Plásticas na Central Saint Martins School em 2003.

Vive e trabalha em Lisboa, Portugal

Desde 1998 que expõe individualmente, de onde se destacam: Self-Substituting Subject (2004), Galeria 111, Lisboa; Where We Used to Live – Luxury (2006), Galeria 111, Porto; What We Want is What We Get – Vanity (2007), Pavilhão Branco do Museu da Cidade, Lisboa; Six Months One Place - Sublime Envy (2009), In My Room Space, Paris. Das exposições colectivas em que participou desde 1997, destacam-se: Three Different Generations (2003), Charing Cross Studios, Londres; O Espelho de Ulisses (2006), Centro de Arte São João da Madeira; À Volta do Papel - 100 Artistas (2008), Centro de Arte Manuel de Brito, Algés.

O seu trabalho está representado em diversas colecções públicas e privadas, tais como: Colecção Manuel de Brito, Sociedade Nacional de Farmácias de Lisboa, Museu da Cidade de Lisboa, PLMJ e Associados.

2010-06-01T02:25:00.000-07:00

FÁTIMA MENDONÇA

Nasceu em 1964 – Lisboa

Estudou Pintura pela Escola Superior de Belas Artes de Lisboa

Vive e trabalha em Lisboa, Portugal

Das exposições individuais que realizou desde 1991, destacam-se: Para Cegar o Medo (2009), Galeria 111 – Lisboa; Auto-retratos com dedicação e afecto, da Fátima, Galeria 111, Lisboa, 2007; Assim… Assim… para gostares mais de mim, Culturgest, Lisboa, 2005. Participa em inúmeras exposições colectivas desde 1989, de onde se destacam: À Volta do Papel – 100 Artistas, Centro de Arte Manuel de Brito, Algés, 2008; Arte Contemporânea – Novas Aquisições, Culturgest, Caixa Geral de Depósitos, Lisboa, 2002. A sua obra encontra-se presente em inúmeras colecções públicas e privadas, tais como: Fundação de Serralves, Porto; Culturgest, Lisboa

2010-06-01T02:20:00.000-07:00

Marc Molk

Nasceu em Marseille, 1972

Estudos Mestre em filosofia da arte, Estética,

Paris I-Panthéon-Universidade de Sorbonne, Paris, França – 1997

Vive e trabalha em Paris

Marc Molk pinta as suas obras com “sumos”, diluídos com muita água ou com aguarrás. Os seus desenhos tornam-se aparentemente molhados, onde as linhas dissolvem-se e perdem a sua precisão, ganhando fluidez e complexidade.

A técnica escolhida, a par da sua melancolia intrínsica, sugerem que as alterações acidentalmente obtidas, tornem-se mais ricas esteticamente.

Marc Molk tem participado em exposições internacionais realizadas em França tais como “Psychopompes divers” ou “La Maison des Mouches”. Conhecido pela sua actividade política onde usa os quadros como armas simbólicas no Reino Unido, França ou Espanha, está incluído na lista de candidatos para o Prémio de Pintura Internacional Guasch Coranty 2010. O seu trabalho é exposto frequentemente em feiras de arte internacionais.

2010-06-01T02:17:00.000-07:00

PAULO SÉRGIO BEJu

Nasceu em 1971 – Funchal

Estudou Licenciatura em Artes Plásticas – Vertente Escultura (1998), UMa

Pós - Graduação em Direcção Artística (2003);

1.º ano Curso de Mestrado em Arte e Património – No Actual e Contemporâneo (2007).

Vive e trabalha no Funchal

Poesia: o sonoro silêncio das palavras[1]

O projecto semente, apresenta um paralelismo entre a desconstrução da palavra

(se mente – sémen|nte| - mente) e a polissemia da imagem apresentada.

Partindo do decalque de um pé (corpo), em posição de ponta (dança), acrescido de, posteriores, elementos de ilustração e inversão das formas, tomou a expressão inicial, outras possibilidades interpretativas – a presentificação de uma figura andante (um menir ou um monge), envolvida num ambiente dramático, onde as projecções vivenciais da ilha, tomam também especial relevo.

O «decorativismo» utilizado, tem um cunho etnográfico/regional/ilhéu, recriado a partir do bordado ou das decorações populares nos arraiais.

O olho, tornado aqui num elemento simbólico, alude ao pensamento - um terceiro olho, conotado com um outro poder de ver, estabelecido por uma condição sagrada da criação.

A cor principal – de tonalidade azul - é uma alusão ao mar.

A atmosfera ilustrativa, no seu todo, pretende criar uma dimensão mágica, apelando à luminosidade do sol ou à essência da própria vida, cujo percurso requer luz para se chegar à plenitude. A praia e o mar, adquirem aqui uma analogia libertadora, tanto no contacto do homem com a natureza, como na relação deste com o seu processo criativo.

2010-06-01T02:12:00.000-07:00

Rigo 23

(Ricardo Gouveia)

Nasceu em 1966 – Funchal, Madeira

Estudou MFA, Stanford University, Stanford, CA

BFA, San Francisco Art Institute, San Francisco, CA

Vive e trabalha em São Francisco

Radicado desde os anos oitenta em São Francisco, esta opção levou o artista a um contacto com o vibrante cenário do grafitismo americano e a centenas de murais públicos, comissariados ou independentes, onde expandiu e em muito o seu vocabulário e a sua apetência por esta forma de criação bem próxima do público.

O trabalho do Rigo, resulta da produção do seu investimento pessoal nos assuntos e nas explorações que faz do potencial discursivo da arte. Frequentemente explora essas possibilidades comunicativas, procurando através destas impulsionar uma prática mais conceptual, que muitas das vezes é vista tão e somente como arte politica.

A obra de Rigo, relembra e grava uma memoria colectiva, com destaque para os momentos esquecidos na história, registando-os em murais da sua autoria, onde a escala e a própria localização, permitem que sejam apreciadas dentro de uma realidade urbana, sendo inclusivamente produzidas de forma a que possam ser apreciadas em pleno trânsito citadino.

Rigo tem vindo a participar ao longo dos anos em inúmeras exposições individuais e colectivas, com destaque mais recente para a sua participação na Bienal de Liverpool - 2006; Bienal de Urbanismo e Arquitectura de Shenzhen, China - 2009 ; X Bienal de Lyon, França - 2009 ; “ 75 Years of Looking Forward”, San Francisco Museum of Modern Art, SF, CA.

2010-06-01T01:43:00.000-07:00

Susana Figueira

Nasceu em 1976 – Durban, África do Sul

Estudou

Licenciada em Artes Plásticas, variante de Pintura, Departamento de Arte e Design/Universidade da Madeira, 1996 – 2001

Escultura na Universidade Politécnica de Valência, Espanha, 2002-05

Vive e trabalha no Funchal, Madeira

Estudou Belas Artes em Valência e Funchal onde concluiu a licenciatura em Artes Plásticas/Pintura em 2000 no Departamento de Arte e Design/UMA. Em 2005 conclui o Diploma de Estudios Avanzados (DEA) na Facultad de Bellas Artes de San Carlos/UPV, Espanha. Obtem uma bolsa de mobilidade pelo MECD, Espanha (2003). Entre 1997 e 2008 tem vindo a realizar diversas exposições colectivas em Portugal e no estrangeiro, Realiza “7 pecados capitais” sendo-lhe atribuído o 1o prémio aquisição/ex-aequo em Pintura, Casa das Mudas (1999) e em 2003 recebe uma Menção Honrosa na 3a edição do mesmo.

Em 2007 participa na colectiva “ração para animais” no MAC Funchal, apresentando “senhores de beijacu”, um mundo satirizado em denúncia social. Desde 2000 inicia uma exploração cómico-grotesca patentes nas obras “tutto nel mondo é burla l ́uomo é nato burlone” (2002) ou com o “mundo ás avessas” (2001), um tríptico que se apresenta fechado sendo os protagonistas de estas portas dois seres burlescos que mostram o cu ao público.

2010-06-01T01:35:00.000-07:00

Rui Carvalho

Nasceu em 1964 – Funchal

Estudou Frequentou a Escola Superior de Belas-Artes

Residiu em Zurique e Berlim até 1998.

Vive e trabalha em Lisboa

Os desenhos de Rui Carvalho, apresentam constantemente uma intensa luta do seu ser, que interiormente refugia-se num passado mais distante. Com destaque para a utilização de fortes contrastes de cor, onde por um lado tentam manter as suas recordações, e por outro confrontam com a realidade, esta última bem demarcada pela técnica que o artista à muito elegeu para desenhar e colorir os seus trabalhos. A utilização da tinta permanente é por si própria um testemunho da luta

psicológica que constantemente trava, demarcada não só pelas cores, mas e também pela própria marca deixada por esta técnica no seu suporte de eleição, o papel.

Rui Carvalho, expõe individualmente desde 1988, de onde se destacam: Porta 33, Funchal; Galeria 111, Lisboa; ZDB, Lisboa e Casa das Mudas, Calheta.

Participa em diversas exposições colectivas, tais como: Do Atlântico para a costa Oeste (1988), Artist’s Television Acess, São Francisco; Salão Nobre do Teatro Municipal do Funchal, 1988; Prémio Sopic – Jovens Pintores (1990), Lisboa; e Kunsthaus Tacheles, Berlim, 1991. Colabarou em projectos com Rigo, António Dantas e João Fonte Santa.

2010-05-29T03:43:00.001-07:00

Rui Sanches

Nasceu em 1954 – Lisboa

Estudou BA ( Honours), Goldsmiths`College, Londres – 1999

MFA (Marter of Fine Arts) em Escultura, no Yale University,E.U.A - 1982

Vive e trabalha em Lisboa

Em fins da década de 70 e princípios de 80, Rui Sanches além dos estudos efectuados na Ar.Co, frequenta universidades em Londres e nos Estados Unidos, experiências estas que levam o artista a ter uma percepção bem mais aberta em relação à realidade artística internacional, descobrindo uma arte contemporânea bem diferente daquela que tinha acesso em Portugal. Passa a desenvolver diferentes experiências através de técnicas e materiais, que habitualmente não utilizava.

Realiza a sua primeira exposição individual, em Maio de 1984, na Galeria de Arte Moderna da SNBA – "janelas, mapas, espelhos", desenhos, e dois anos mais tarde, no verão de 1986 recebe um prémio de aquisição na Bienal de Vila Nova de Cerveira.

Seleccionado por José Sommer Ribeiro, integra a representação portuguesa à 1 9.a Bienal de São Paulo, que tem lugar em Outubro de 1987 e que contou também com a participação de outros artistas tais como: Teresa Magalhães, Joaquim Bravo, Pedro Calapez e José Pedro Croft.

Tem vindo desde então a realizar importantes exposições, apresentando em diferentes momentos trabalhos na Fundação C. Gulbenkian, onde inclusivamente está representado. Passou por espaços de internacionalização em diferentes cidades tais como: Roma, Paris, São Paulo, Ghent ou Tóquio.

2010-05-27T03:22:00.000-07:00

Ingo Giezendanner

Nasceu em 1975 – Basel, Suíça

Vive e trabalha em Zurique

Desde 1998, que Ingo Giezendanner, mais conhecido por grrrr, tem vindo a documentar os espaços urbanos por onde viajou e viveu.

Para além de Zurique, nas multiplas viagens, que fez por cidades como Nova York, Nova Orleans, Cairo, Nairobi, Karachi, Colombo, Ingo Giezendanner, capta as imagens envolventes e a sua atmosfera, recorrendo a uma caneta e a uma folha de papel.

Grrrr, tem vindo a apresentar o seu trabalho continuamente numa série de publicações, sendo o seu primeiro livro auto-publicado "GRR1: video", 1998 e o mais recente "GRR30: gravações urbana" é a sua trigésima publicação e contém desenhos de fins dos anos noventa até 2006, que fornecem a introspecção GRRRRs.

Tem realizado várias pinturas murais, sendo uma das suas primeiras em conjunto com Mark Divo, pintando a fachada exterior do terreno de uma das fábricas ocupadas em Wohlgroth, Zurique 1993.

Seus desenhos foram apresentados em várias revistas, livros, bem como em instalações espaçosas e filmes de animação, Sendo inclusivamente, a produção de filmes de animação, um desenvolvimento mais recente do trabalho GRRRRs. Em 2005, produziu vários clips de vídeo para Swiss Television, entre eles o clipe muito notado "GRR26: gib mer", uma colaboração com o rapper Big Z.